GIOCONDA

Autor: Leonardo da Vinci 

Fecha: 1503-1506

Época: renacimiento italiano 

Técnica: óleo sobre lienzo

CONTEXTO HISTÓRICO:

La obra fue realizada a principios del siglo XVI y pertenece al renacimiento.

Esta obra está realizada por Leonardo Da Vinci.

Cuando acabó la obra Leonardo la llevó a Roma y más tarde a Francia, donde la conservó hasta su fallecimiento.

Después de la muerte de Leonardo la obra pasó a París y más tarde al Palacio de Versalles.

Con la revolución francesa la obra pasó a manos de Napoleón Bonaparte. Pero finalmente regresó al museo donde se conservó hasta 2005 en la Sala Rosa y fue trasladado al Salón de los Estados.

Esta obra esta relaciona con la época histórica por las circunstancias e influencias posteriores.

Ya que Giocondo encargo un retrato para su mujer. En el que Lisa debió de ser pintada, y el cuadro ocupar un lugar de honor en su casa. Lo que permitiría que todos pudieran ver lo que amaba a su mujer y lo agradecido que estaba de que le hubiese dado hijos.

Sus influencias posteriormente han sido que esta obra ha sido una de las obras que más ha marcado en la historia del arte.

Descripción: la mujer retratada es Madonna Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo, de donde también toma su sobrenombre. Aunque algunos críticos han afirmado que podría ser un auto-retrato del autor con apariencia de mujer. El paisaje de fondo es agreste, salvaje y de un matizado tono azul. 

En esta obra se ven reflejadas todas las características de pintura de Leonardo: el empleo del sfumato (la técnica de difuminar suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos). 
Colores: ocre quemado para sombras oscuras, albayalde y amarillo sulfuroso para los colores carne. 

ANÁLISIS FORMAL:

Técnica: Antes que nada, Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite. En esta obra utiliza la técnica del sfumato, la más característica de él. La técnica consiste en prescindir de los contornos precisos y envolverlo todo en una especie de niebla que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, algo que da a la figura una imagen tridimensional. Lamentablemente su colorido original es menos perceptible debido al oscurecimiento de los barnices. Utiliza varias capas de óleo superpuestas para crear las transparencias del velo y de las capas de paños, utilizando para ello colores muy diluidos. Gracias también a estas capas superpuestas, Leonardo consigue efectos deluces y sombras que aportan gran naturalidad al rostro.

Descripción: La modelo se encuentra sentada, apoyando sus manos sobre el brazo del sillón y aparece levemente girada al espectador. Se encuentra en un paisaje fantasmagórico de atmósfera húmeda. Para acentuar el aire misterioso de la obra, Leonardo utilizó un complicado recurso, los dos lados del cuadro no coinciden exactamente, sino que el paisaje del lado izquierdo está más alto que el del lado derecho, de modo que al centrar la mirada en el lado derecho del cuadro, la mujer parece más alta y más erguida. La expresión también cambia al observarla desde uno u otro lado y lo que más llama la atención de esta obra es laenigmática mirada y la sonrisa de la modelo, además carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados. El pintor pone de manifiesto en esta obra no solo su maestría, sino también el progreso técnico alcanzado en la época. La luz y el cromatismo son más sombríos de lo habitual, dulcificando el retrato hasta el punto de convertirse en una obra inigualable.

ANÁLISIS TÉCNICO:

Óleo sobre tabla. Leonardo pintó sobre un delgado y frágil soporte de madera de álamo, que preparó con varias capas de enlucido.

Ø  Primero dibujó a la mujer directamente sobre el cuadro.

Ø  Después pintó al óleo con los colores muy diluidos para poder poner innumerables capas transparentes que, gracias a múltiples superposiciones, confirieron al rostro efectos de luz y sombra más naturales, pero también con toques mágicos.

Renacimiento

LA PIEDAD 

Autor: Miguel Ángel Buonarotti

Localización: Basílica de San Pedro del Vaticano

Estilo y época: Cincuencento, finales del siglo XV principios del siglo XVI 

ANÁLISIS TÉCNICO:

 Material : mármol de Carrara  con diferente tratamiento muy pulimentado en la textura de la piel  y rugoso y aristado en los pliegues haciendo que la luz resbale y brille o cree clarooscuro en esas profundas aberturas que dejan los pliegues tallados a trépano. 

           

  Composición equilibrada  piramidal:La mano izquierda de María es el único gesto doliente y traza una línea paralela al brazo derecho de Cristo, que cae suavemente. A pesar de la diferencia de edad entre ambos, Miguel Ángel presenta a María  tan  joven como Jesús .

   

Equilibrios de rostros : hacia delante y hacia atrás. 

   

 Cristo   está  realizado a menor   escala para que no sobresalga  (para disimular cuerpo amplio  de la  virgen) con una  cabeza  pequeña  y un  cuerpo  como desmadejado o desarticulado presentado un zig.zag 

  

     Se observan contrastes  : 

      -  la alternancia de superficies aristadas con la suavidad del cuerpo de Cristo ( pulimentado) 

    -, la aparente inestabilidad del cuerpo de Cristo que parece resbalar y el sedente y asentado de la   Virgen 

  

  -  Desnudez del cuerpo de Cristo y los pliegues de la Virgen

  - Sensación de cuerpo poco    pesado  de Jesús que   apenas apoya un pie y amplia   base de sustentación de   la Madre

  

El Ritmo es lento como  si el tiempo se hubiera detenido.

    

 Expresión de serenidad o  de dolor contenido

ANÁLISIS FORMAL:

Las dos figuras del conjunto escultórico, conforman una pirámide cerrada. la Virgen, sentada y erguida, sostiene a Jesucristo yacente en su regazo. El cuerpo de Cristo está encuadrado casi por completo dentro del contorno dibujado por el cuerpo de María, lo que enfatiza la unión íntima entre madre e hijo. Asimismo, la Virgen, que mantiene la mirada baja y evita dirigirse al espectador, acoge con una mano al difunto, mientras que con la otra parece invitarnos a adorarlo. Su vestido equilibra la composición y actúa como base de la pirámide. El conjunto contrapone la desnudez del cuerpo estilizado de Jesús al ropaje de profundos pliegues de María. La pesadez de la Virgen fuertemente apegada a la Tierra, a la ligereza del redentor que solo toca el suelo con el pie derecho. 

La Piedad del Vaticano es la única obra firmada por Miguel Ángel, quien al finalizarla se sintió profundamente orgulloso de su trabajo. Cinceló la inscripción: "Michael Angelus Bonarotus florentin faciebat" en la cinta que cruza el pecho de la Virgen. En un principio esta escultura se ubicó en la iglesia de Santa Petronella, puesto que en este lugar estaba enterrado el Cardenal que la encargó. Posteriormente, en 1519, fue trasladada a la Basílica del Vaticano. 

Vasari, cuenta que Miguel Ángel a los 70 años: "Atacaba la piedra con una energía que uno esperaba ver como el bosque se rompía en pedazos. Con un mazaso mandaba al aire pedacitos de piedra de tres o cuatro dedos de grosos y penetraba en un punto marcado con una precisión tal que si hubiera penetrado más habría destruido la piedra entera".